我們在台灣家家戶戶有孩子在學習古典音樂，為了甚麼學習？如何學習？或說，為什麼要正確學習？都值得我們去重視。
『詮釋』在音樂作品的呈現中，可算是作品的『精神與靈魂』，如何來詮釋一個作品的內容，絕對是演奏者應該關心並重視的問題。
音樂『詮釋』首先是遵照作曲家的原意為出發，再加入每位演奏者的情感、理性、判斷、經驗與天賦合而為一的，也就是這樣的結合，才造就出風靡全世界的音樂家與鬼才們。如鋼琴界的魯賓斯坦，霍洛維茲等等。
人文藝術的歷史是一個橫向時間軸，依照時間的累積發展與演變出不同的派別與風格；如何把當時音樂家的音樂盡可能地在我們的時代裡正確地呈現出來，是二十世紀之後演奏家的責任與使命。因此，使用甚麼版本變成很重要的一個環節，它關係到曲子的詮釋內容是否與作曲家的原意相同。
原作與音樂風格密不可分
有一種譜是盡可能與作曲家原來寫下的每個細節一樣(各位可不要認為理所當然)。作曲家的手稿譜常常寫得很亂，有塗改，或因創作靈感很多，譜得很快而導致筆誤或是寫得不清楚。另外，還有被遺忘的部分，例如同樣處有時有音量標示，有時又沒有。總之，各種狀況均會出現譜的不完整性。有一批研究學者專門在考古手稿譜的真實性與正確性，盡可能地將最可能接近正確的原樣呈現出來。舉例來說，Henle原典版就是一個將德奧作曲家手稿原貌呈現出的好版本之一。
還有另一種版本是詮釋後的版本。例如，某某人將自己認為最接近作曲者原意的演奏法用音樂語法標示出；或是因為得到作曲家本人的指導與溝通，將經驗用語法標示出來進而出版一本『已經經過詮釋』的版本。例如，巴哈創意曲有一本『布索尼』版本，就在裡面標式大量的語法與裝飾奏的彈法。如果各位把Henle, Peter, 布索尼的巴哈創意版本都拿出來比較，便可以看到譜上記載有許許多多的不同。
忠於原作的重要性
如果各位仔細地看譜並加以實踐，其實就可以彈出接近作曲者的音樂。作曲家的記譜法是非常大師級的，他們寫得很精準，每個音的長度、速度甚至輕重度都表達地很清楚，音樂的邏輯性很合理。(反倒是我們詮釋者自己的加油添醋，造成許多錯誤的音樂表現)。如果你能遵照每個細節去表現，其實就已經八九不離十了。可惜，大部分的player 沒有真正去思考這些內容並且實踐他們。假設你希望將莫札特彈得像莫札特而不是貝多芬或海頓，那麼大家就得要注意譜上的記譜的不同。不然，就可能落入每首曲子聽起來是一樣的風格。
比較不容易直接從譜上看出的，是『音色的詮釋』與『風格(Agogik)的彈奏法』。例如，史特勞斯的圓舞曲在演奏技術上並不太難，但是，有哪個樂團能比維也納愛樂更能詮釋其風格呢？這些屬於樂派或音樂家的風格，就很難在紙上談兵了。19世紀中期之後因為樂器製造的發展與進步，樂器發揮了更美的聲響，演奏技術也相對地跨越了一大步，因此從這個時期之後產出大量優秀的演奏家。
每個事物的學習，都應該有其意義與目的才值得。現今，我們在台灣家家戶戶有孩子在學習古典音樂，為了甚麼學習？如何學習？或說，為什麼要正確學習？都值得我們去重視。如果我們只是聽到家裡的孩童能彈奏『給愛麗絲』就滿足，而不在乎彈奏是否與樂譜上的內容相符，是否忠於原作的彈奏。如果一直停留在我們自己模式的古典音樂，將會與真實的音樂世界脫節。
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